一、素描绘画的前期准备：
1.画前准备观察和思考物体的位置、光线、结构等。在大脑中有个初步的雏形。
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2.初步画出构图、比例、基本形
3、画出基本结构透视要准确
4、大致画出大体明暗关系，分出明暗层次。
5、深入分析反复调整明暗层次关系，深入画出物体结构。
6、整体把握，调整外形与细节。完成作品。
素描在绘画历史中占很重要的位置，是一切绘画的基础。在作画时要先勾勒出轮廓，作为雏形和草稿，然后用颜色渲染，当作品完成时，素描稿会被盖住。
因此，素描是一切绘画的基础和调整物体结构的框架。到14世纪末，素描不再是个基础被埋没的艺术，而成为一门独立的艺术。素描能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后，素描成为能代表人类创作能力的艺术品。
二、学习静物素描。这个环节很重要，难掌握，主要是构图、透视和空间感。掌握物体的颜色也很重要，不同的物体颜色有不同的深浅，明暗调子可以体现出物体的颜色。要把画面画得有空间感就要掌握画面的虚实感，所以素描中虚实感很重要，摆在前面的物体应当画得清晰，后面的物体应当画虚。在构图方面一定要合理“三角构图法”。
1.构图技巧
2.单个静物的临摹，单个静物的写生
3.多个静物的临摹，静物临摹写生
三大面：黑、白、灰、结构、透视、构图
1.透视规律
2.中轴线、辅助线、切线、垂线
3.结构关系
4.表现方法
5.线条的性能。
随着社会文化的发展，绘画也由简单到复杂，由素描的黑白到色彩的表现，素描画也在渐渐的发展。素描是一种用单色或少量色彩（黑白灰）绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式，其中使用的绘画材料有干性、湿性两类，其中干性材料：铅笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔、炭笔、粉笔等，湿性材料：水墨、钢笔、签字笔、苇笔、翮笔、竹笔、圆珠笔等。习惯上素描是以单色画为主。
素描教程，通常包括素描基础、静物、人物、动物以及风景等。打破时间、空间和地域限制，驰骋于古今中外，也是现在最受爱好画画者中意的画种。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等;但素描的共性是差不多的。
同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值，当然，专门的素描艺术家并不多，大都是兼职者，如诸位大师们，他廖寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握。
1.提高整体美感
这是不少初学者和考生共同的毛病。我们通常说，一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的;然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。
既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。
2.敏锐感加强
世上所有的人，没有绝对相同的面孔，即使是双胞胎也不例外，他(她)们也都有别人不易察觉的差异。素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异，但是在素描写生的过程中，常常看到有的学生不管画谁，不管对象的长相如何，气质怎样，都画得像一个人。这里有初学时期老师指导上的失误，还有考生自己认识上的误区。
有的考生错误地认为:模特儿像不像没有关系，只要画面效果好就行，反正评分的老师也不知模特儿什么样。像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的标准之一，但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间脱离对象去感受，缺乏对客观对象的感知能力，就有可能失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。无疑，这样的试卷是无法得到高分的。而这些毛病一旦形成就很难纠正。所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。
3.画面层次把握
在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。为什么会出现这些问题呢这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰。对此，考生应主动减少中间色调的深度，提高画面(脸部)的亮度，保持画面的层次感。素描的过程当中，在整体尊重客观对象的前提下，允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。
